Fotografía de Arte

Sobre el Arte Pop y la fotografía

2011-11-06T18:27:00.000-08:00

Jacob Bañuelos al presentar su obra en el Centro de la Imagen. Nuestro amigo en común, Juan Bautista Morán, fotopoeta español, realizó una entrevista que publicó en su momento en la revista DNG. Fotografía: Arturo Ávila Cano

En la obra intitulada Fotomontaje, del buen amigo Jacob Bañuelos, a quien tuve el gusto de conocer gracias a otro buen amigo de faenas fotográficas, de nombre Ulises Castellanos, actualmente coordinador académico de la Fundación Pedro Meyer, se nos expone la historia del Fotomontaje. Entre otros ismos, como el dadá y el surrealismo, Bañuelos aborda el caso del llamado Pop Art, que tuvo una influencia notable en el ámbito de la imagen fotográfica. Los artistas visuales del Pop Art trabajaron bajo cierta iconografía, donde utilizaron las imágenes de la cultura masiva, ya fueran objetos de consumo cotidiano o personajes del mundo del espectáculo, para exponer que todo eso que había sido estimado como algo banal, cotidiano, popular o superficial, podía formar parte del mundo del arte.

Obra de Mimo Rotella

Sin embargo, no debemos confundir la postura de los artistas ligados al movimiento Pop con las propuestas dadá, que perseguían una finalidad distinta. La postura del dadá estuvo ligada a una crítica social, cargada de ironía y sarcasmo, mientras que los artistas del Pop tenían como finalidad no la crítica ni el escándalo, sino el destacar que todo eso que era estimado como indigno del mundo elevado del arte, podía ser considerado como artístico. De acuerdo a José Leal, esta postura estaría relacionada con una postura funcionalista e intencional. Intencional por parte del "artista" y funcional porque precisamente hizo más evidente la relación entre el mundo del comercio y el mundo del arte.

Obra de Andy Warhol

Autorretrato de Andy Warhol

Obra de Mimo Rotella

Si en la cultura masiva todo puede ser objeto de consumo, por qué no habría de serlo el arte, y sobre todo, por qué no habría de ser arte todo ese objeto de gran consumo como el jabón, las gaseosas, las hamburguesas, los comics y los carteles de cine.

De acuerdo a lo expresado por Jacob Bañuelos, "el término Pop Art se refiere a la expresión de un pueblo que no <>, que se concibe en calidad de masa; lleva implícita a la sociedad desencantada y pasiva ante la realidad contemporánea. La Ley de la sociedad norteamericana es la lucha por la jerarquía, por el estatus más elevado, la competencia de intereses individuales, la valoración del prestigio. El Pop Art, con sus rostros ambiguos y sus imágenes frías, es el reflejo de una falta de una búsqueda de consciencia social e identidad del propio ser". 1

Este movimiento tìpicamente norteamericano, también tuvo seguidores en Europa, concretamente en Inglaterra y en Italia. Además de destacar a Andy Warhol y Roy Lichtenstein, Jacob destaca el caso del artista italiano, Mimo Rotella (1918).

Como investigador de la imagen fotográfica, sin duda que recomiendo la obra de Jacob Bañuelos. Pocas veces se tiene la oportunidad de consultar una obra tan bien documentada, estructurada y con una redacción ágil y clara. El libro de Bañuelos debe pertenecer a toda biblioteca que se precie de contar con las mejores obras sobre imagen fotográfica.

1) Bañuelos Jacob, Fotomontaje Madrid. Ed. Cátedra, 2008

Sobre el dadaísmo

2011-10-31T07:33:00.000-07:00

Al tiempo que la nueva fotografía propugnada por Stieglitz entraba en una etapa de declive en el gusto del público, en Europa, mediante las propuestas de Dadaístas y Surrealistas, la fotografía se acercaba al ámbito de la imaginación, de lo impalpable, de lo no visible. A través del collage, del fotomontaje y otras técnicas de cuarto oscuro, donde las protestas sociales o la expresión de los sueños se hicieron visibles, la fotografía se deconstruyó para reconstruirse, sufrió una metamorfosis que la condujo a una nueva poética. De acuerdo a Michel Frizot, la fotografía experimentó rupturas en su discurso visual en las primeras décadas del siglo XX.

In about 1918, with the emergence of Dada, the destructured image became a visual language of protest, a reaction against the art of the Salons. Photomontage and photograms, first developed in Dada and Constructivist circles, led to an entirely new use of photography in the ilustrated press, propaganda and posters. At the same time photography was being forced to acquire a greater flexibility in its
relationship with reality. Surrealism in the 1920´s and 1930´s was able
to extend its forays into the World of the imagination by using photographic procederes that could invent fantastic figures or give strange meanings to images of familiar objects. The repercussions of these developments were to have profound effect on photography in the media and on photography as a source of information and a means of communicating ideas. 1

Collage dadaísta de la autoría de Hannah Höch

Frizot argumenta que en las primeras décadas del siglo XX, la fotografía experimentó un periodo de agitación debido en parte a la primera guerra mundial y a las vanguardias artísticas de ese tiempo; aunado ello a los avances tecnológicos y los cambios que se presentaron en el campo del arte y la literatura, el fotomontaje comenzó a ser practicado de manera más usual, y dentro de esta nueva expresión gráfica se combinaron técnicas del collages donde la imagen fotográfica se yuxtaponía con ornamentos tales como recortes de periódicos, paquetes de cigarrillos, etcétera.

Dietmar Elger afirma que el Dadá no era un movimiento exclusivamente artístico sino literario, musical y filosófico. “Era todo eso y al mismo tiempo todo lo contrario… A grandes rasgos, el período de actividad del movimiento dadaísta puede establecerse entre 1916 (año en que se funda en Zurich el cabaret Voltaire) y comienzos de los años veinte, época en la que en París se da por finiquitado el dadaísmo…”.2

De acuerdo con Patrick Waldberg, como movimiento poético, el Dadá contenía “ironía, simulación, sarcasmo, doble sentido y todas las formas de provocación intelectual” que se revelaban al igual que los sueños. Dadá arremetió “contra los fundamentos mismos del pensamiento”, contra la coherencia, la identidad, contra los soportes y canales del arte, y algo muy importante, contra el lenguaje.

La dislocación de la sintaxis, la sustitución de las palabras por gritos, sonidos, exclamaciones y borborigmos; la preferencia que se da en el arte a los objetos encontrados, a los restos, a los desechos, con el fin de reemplazar los materiales nobles; el insulto permanente al talento, al genio con la secreta intención niveladora de una extinción de las jerarquías y la idiotización elevada a la categoría de dogma, tales fueron los instrumentos de este furor negador que,
llevado por su propio impulso, no debía tardar en negarse a sí mismo. 3

En Rastros de Carmín, una historia secreta del siglo XX, Greil Marcus sostiene que el ‘Dadá , complejo movimiento internacional, fue esencialmente un ataque a las tradiciones tanto artísticas como políticas. Sus primeras actuaciones públicas fueron pensadas para ultrajar lo convencional, pero todas las manifestaciones tenían en común un comportamiento antisocial, el nihilismo y un deseo de provocar una
gran conmoción…’.

El dadá fue una leyenda de libertad sólo después del hecho; en el momento en que ocurrió era un mito gnóstico del siglo XX. Era una historia secreta no sólo de la Gran Guerra sino de toda la poesía de tengo-una-cita-con-la-muerte escrita para extraer un significado de la guerra, o en términos dadá, para justificarla.4

El clima político que se vivía en Europa a principios del siglo XX fue propicio para la expansión del fotomontaje dadaísta, que se desarrolló en Berlín, París y Moscú, donde adquirió distintos nombres; por ejemplo, el renombrado fotógrafo John Heartfield nombraba a sus imágenes como Foto-Graphik, Foto- Plakat o Foto-Einbäde.5

En la entonces Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, el fotomontaje fue
nombrado como constructivismo y se puso al servicio ideológico del partido comunista.
It was to be within these Dadaist circles that this tecnique of manipulating the photographic image was born. Randomly selected photographic fragments taken from the artist´s personal photographs, from newspaper of from reproduction in magazines –were cut out and reassembled following a new logic that ignored the usual unities of space, texture, style or origin. 6

El fotocollage dadaísta, como medio para la expresión de índole sociopolítica, y también como nicho para la expresión poética –al estilo de Moholy Nagy-, pervivió durante las primeras décadas del siglo XX, y poco a poco fue cediendo terreno a las expresiones gráficas que resultaban de la aplicación de nuevas técnicas, que derivaron en la llamada New Photography, y en los experimentos surrealistas de Man Ray.

De tal forma, el fotomontaje de protesta fue dando paso al fotomontaje de índole poética donde lo onírico, lo sensorial y lo inconsciente, de acuerdo al manifiesto estético de André Bretón, tenían prioridad absoluta
gracias al automatismo.

La poética del collage dadaísta radicaba en la poiesis que el autor aplicaba durante la fabricación de la imagen. El recorte y pegote de distintas imágenes, y además de recursos tipográficos obtenidos en diarios y revistas de la época, con el propósito de crear una nueva realidad, fue fundamental para romper la estructura rígida y “lógica” del discurso fotográfico anclado en lo referencial, y lo acercó a las regiones de lo expresivo. Para Rosalind Krauss, en un intento por infiltrar la realidad con la interpretación, con un nuevo significado, el fotocollage dadaísta interrumpió la declaración de semejanza de la imagen fotográfica con la realidad misma, y además acercó a la imagen fotográfica con el signo lingüístico. Es
decir, los dadaístas lograron un efecto lingüístico al romper la declaración de semejanza con la realidad, al interrumpir esa especie de escritura lineal y lógica, por medio de la interpretación cercana a la llamada escritura automática. “Si el fotocollage nos demuestra una relación entre fotografía y lenguaje lo hace al
sacrificar el privilegio fotográfico de su conexión con el mundo”.7

___________________________________________________________________________________
1. Michel Frizot, A new History of Photography, Printed in Italy. Ed. Köneman, 1998, p. 431
2. Dietmar Elger, Dadaísmo Ed. Taschen, p. 656
3. Patrick Waldberg, Dadá, la función del rechazo. El surrealismo, la búsqueda del punto supremo, México. Fondo de Cultura
Económica, 2004, pp. 16, 17
4. Greil Marcus, Rastros de Carmín, una historia secreta del siglo XX. Barcelona. Anagrama, 2005, p. 208
5. Michell Frizot, op. cit. p. 431
6. Ibid.p. 57

Información de mi tesis de Maestría en Artes Visuales.

El fotomontaje como un recurso expresivo

2011-05-29T17:32:00.000-07:00

El recurso del fotomontaje vino a revolucionar el ámbito de la fotografía y a cuestionar esa supuesta aura de referencia con la realidad que le otorgaron a la imagen fotográfica, ya que los fotomontajes se producían y se producen utilizando fragmentos de la realidad. Al combinarlos, el artista propone una resignificación, una nueva lectura que enriquece la experiencia visual del espectador.
De acuerdo a Jacob Bañuelos , el fotomontaje “es un principio de creación de imágenes que se obtiene a partir de la yuxtaposición de dos o más fotografías sobre un mismo plano visual”. Para el catedrático del Tecnológico de Monterrey, el fotomontaje es algo revolucionario, producto de una sociedad dinámica, nace de ti búsqueda para representar la realidad de una nueva forma.

El fotomontaje, que consiste en la técnica de la yuxtaposición de dos o más imágenes para obtener una imagen nueva, es, como afirma Bañuelos, una expresión revolucionaria en la que se funden lo ideológico con lo estético. Los primeros fotomontajes fueron creados con base en alegorías religiosas, posteriormente mediante el collage dadaísta se fusionó lo estético con la protesta político-ideológico-cultural. Los dadaístas unificaron en un espacio plástico imágenes de procedencia distinta, y utilizaron la tipografía como un recurso lingüístico y de diseño.

“Es justamente el movimiento dadaísta el vehículo que hace del fotomontaje la culminación de las necesidades expresivas de la fotografía…El movimiento dadaísta está representado por un delirio de lo absurdo, una blasfemia iconoclasta totalmente nueva. Las obras del dadaísmo no están insertas en ningún discurso accesible al pensamiento convencional; por el contrario, se lanza en contra de los fundamentos del pensamiento y pone en duda el lenguaje, la coherencia, el principio de identidad y los vehículos de la expresión artística tal como venían siendo concebidos antes de su irrupción en la escena pública”. (Bañuelos, 83)

El fotomontaje dadaísta, como medio para la expresión de índole sociopolítica, y también como nicho para la expresión poética –al estilo de Moholy Nagy-, pervivió durante las primeras décadas del siglo XX, y poco a poco fue cediendo terreno a las expresiones gráficas que resultaban de la aplicación de nuevas técnicas, que derivaron en la llamada New Photography, y en los experimentos surrealistas de Man Ray. De tal forma, el fotomontaje de protesta fue dando paso al fotomontaje de índole poética donde lo onírico, lo sensorial y lo inconsciente, de acuerdo al manifiesto estético de André Bretón, tenían prioridad absoluta gracias al automatismo.

Posteriormente, en la tercera década del siglo XX, la fotografía surrealista convulsionó aún más el referente mimético al acercarse a las regiones de lo sensorial, de lo poético. En este sentido, se concluye que las restricciones que le impedían a la imagen fotográfica acercarse a los terrenos de la imaginación, de las emociones y de los sueños fueron hechas a un lado. Asimismo, fue durante el movimiento surrealista que la fotografía comenzó a tejer nexos más estrechos con otros ámbitos del arte, como la literatura, la pintura y la poesía.

Michel Frizot afirma que durante la década de los veinte y los treinta, los fotógrafos experimentaron de diversas maneras lo que les permitió dibujar una distancia entre la imagen y su inevitable referente. El enlace con lo real se había vuelto más elástico y con ello se incrementaron las posibilidades discursivas, y fue el surrealismo quien tomó ventaja de ello. De acuerdo a la investigadora norteamericana Rosalind Krauss, los fotógrafos surrealistas practicaron distintas maneras de subvertir el lenguaje lógico de la imagen, ya fuera mediante técnicas de cuarto oscuro como la solarización, la múltiple exposición, la combinación de negativos, el fotomontaje, el foto collage y la fotografía directa (creada o representada).

El surrealismo fusionó lo estético con las manifestaciones del inconsciente. En sus imágenes se manifiesta lo onírico y lo erótico. En la fotografía surrealista hay una amplia relación con la llamada escritura automática y los postulados de Sigmund Freud. La técnica de las imágenes surrealistas no sólo se basó en “juegos” de cuarto oscuro tales como el fotomontaje, la solarización y la combinación de positivos con negativos, sino además en fotografías de autor, donde la imaginación privaba sobre el referente.

Mediante la aplicación de diversas técnicas, las imágenes surrealistas representaron no sólo una nueva búsqueda en la fractura del referente sino que además se constituyeron como nuevas formas de expresión que acercaron el discurso fotográfico a las expresiones sensibles de la poesía. Es decir, la imagen surrealista se constituyó como una novedosa expresión de carácter poético. Sin embargo, ese carácter poético no sólo se expresó por medio del fotomontaje, sino que muchas fotografías directas de carácter onírico formaron parte de la poética surrealista, tal es el caso de ciertas obras de algunos de los fotógrafos más reconocidos de este movimiento estético, como Brassai, Man Ray, André Boiffard, Dora Maar o Manuel Álvarez Bravo. Algunas de las imágenes de estos fotógrafos, que comenzaron a proponer un nuevo discurso mediante la creación de atmósferas inspiradas en la literatura, la religión o la filosofía, están impregnadas de una atmósfera sutil que en muchas ocasiones no precisó de juegos de cuarto oscuro; es decir, la imaginación y la sensibilidad del autor lograron imprimir esa impronta poética.

A través del llamado automatismo, los fotógrafos surrealistas buscaban que la belleza convulsiva surgiera a través del inconsciente. De tal modo, Frizot destaca que para los surrealistas la fotografía era un objeto maleable, que podía ser construido o reorientado. Las asociaciones extrañas podían elevarse de manera natural. La estética dadaísta y surrealista fue de enorme influencia en los trabajos posteriores de algunos artistas que se vincularon con los presupuestos del arte pop.

“El fenómeno del fotomontaje, así como el de la amplia gama de manipulaciones fotográficas se presenta en el pop art de manera notable. Su aparición data de 1956 a 1966 en los Estados Unidos de Norteamérica y en Inglaterra, y surge como una reacción al expresionismo abstracto… “. (Bañuelos, 2009,p 209)

En el Pop Art primó lo masivo, la utilización de íconos de la industria del cine, se utilizó todo aquello que no era estimado como objeto artístico por ser de carácter popular, como los carteles publicitarios, las fotos antiguas, las latas de sopa, las cajas de jabón, la comida rápida, los refrescos de lata, etcétera.

La fotografía, "una entrada en arte paradójica"

2010-06-01T17:09:00.000-07:00

A pesar de que desde un inicio la fotografía buscó con afán entrar al mundo del arte mediante las propuestas estéticas del pictorialismo, para muchos historiadores ello no fue suficiente pues esas prácticas sólo eran un copia de los paradigmas pictóricos. Es decir, la fotografía no contaba con un discurso plástico propio, y por plástico entiéndase estético.

Posteriormente, la fotografía convulsionó su discurso referencial mediante la estética dadaísta y surrealista, logrando interesar a escritores, pintores y críticos sobre sus cualidades plásticas. Esas propuestas, junto con el discurso de la fotografía directa de raigambre norteamericana, vinieron a otorgarle a la imagen fotográfica el estatus de arte.

Sin embargo, aún hay quien estima que esas propuestas no representan la entrada de la fotografía al mundo del arte, sino más bien los registros documentales resultado de intervenciones artísticas, del land art y de otras propuestas plásticas como el arte conceptual. Tal es la tesis de Dominique Baqué, autora del libro Fotografía Plástica, indica que la fotografía entróa al mundo del arte "barriendo la tradición de un medio anclado en su propia historia y que era considerado incapaz de establecer cualquier tipo de dialéctica con las artes denominadas plásticas. Sin embargo, el medio fotográfico se infiltró en el arte de una manera extremadamente curiosa y paradójica: ya lo hemos dicho anteriormente, como una imagen-huella, reliquia, o como documento con calidades definitorias a menudo mediocres. En resumen, como imagen precaria y frágil. Pobre". (Baqué, 2003)

Es decir, Baqué puntualiza sobre esta paradoja con el párrafo citado, al cuestionar si la fotografía entró al mundo del arte como objeto estético per se, o bien fue por medio de una función documental de registro, es decir, artistas utilizando la fotografía para preservar su obra. La autora nos invita a pensar sobre esta dicotomía.

Alusiòn o alegorìa a la fotografìa subjetiva alemana

2009-11-11T08:52:00.000-08:00

Autor¨: Arturo Àvila Cano

Esta imagen intenta ser una alegoría de las imágenes del movimiento estético que significó la fotografía subjetiva alemana. Actualmente, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, alberga una exposiciòn sobre este movimiento gráfico.

Fases del alcatraz

2009-06-17T11:35:00.000-07:00

Imagen dedicada a mi querida Mónica Márquez

Presentación sobre Fotografía y Arte

2009-05-17T19:22:00.000-07:00

En esta ocasión les comparto a todos ustedes una presentación en Power Point, que subí a Blogger mediante el sitio Slideshare. En este trabajo hemos abordado de manera breve la Historia sobre los inicios del arte fotográfico. Trabajamos con algunas referencias bibliográficas que están citadas en el archivo, y que de interesarte más en el tema, debes consultar de manera obligatoria, sobre todo en el caso de profundizar para un trabajo de tesis, por ejemplo.

Quiero que vean con atención las primeras obras fotográficas que se aceraron al Arte, que lograron tener ese carácter estético. Después de ver la presentación quiero que escriban una opinión sobre el tema en esta bitácora.

Surrealismoydadaismo

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Presentación realizada por Arturo Ávila Cano

Sobre Arte y Fotografía

2009-04-19T19:21:00.000-07:00

El tema del Arte y la Fotografía es un tanto cuanto complejo por la simpatía o la animaversión que la misma imagen fotográfica provoca entre el público.
Para muchas personas la fotografía no alcanza la altura del arte porque durante el proceso para captar una imagen interviene un aparato mecánico, semiautomático o digital. Asimismo, el quehacer fotográfico se ha visto reducido durante mucho tiempo en el afán de captar la "realidad". Mucha gente no concibe el acto fotográfico como una búsqueda más allá de los parámetros del registro documental. El pensar en una fotografía de carácter artístico representa para mucha gente romper un esquema lineal, una costumbre, una tradición. Para ellos, la foto sólo es registro, documento, nada más.

Fotografía: Lazlo Moholy Nagy

Sin embargo, desde muy temprano en la historia, algunos autores buscaron dotar a la imagen fotográfica de una cualidad artística. Por ejemplo, Laura González Flores, del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, y que además tiene un libro publicado por la afamada editorial Gustavo Gili, afirma en su obra Fotografía y Pintura ¿dos medios diferentes?, que el señor Hippolyte Bayard, fue de los primeros fotógrafos en tomar un aspecto lúdico de la imagen fotográfica al tomarse un autorretrato fingiendo que estaba ahogado. Esa es la primera muestra para desmentir el carácter objetivo, real e imparcial de la imagen fotográfica.
Bayard demostró que con la fotografía se podía mentir, que podía ser subjetiva y dotada de los intereses de un autor.

Tiempo después, algunos fotógrafos interesados en entrar al ámbito del arte se decantaron por el llamado pictorialismo, que no fue más que copiar la estética que en esos momentos se desarrollaba en la pintura. El paisaje y el desenfoque suave fueron los temas de los fotógrafos pictorialistas.

Empero, gente como Alfred Stieglitz, Paul Strand, Henri Cartier Bresson, Edward Weston y otros cuantos fotógrafos más, propugnaron la independencia estética de la fotografía a través de sus propias cualidades per se. No más copias pictóricas, no más paisajes sublimes ni retratos con desenfoque. Ahora se buscaba la forma, los juegos de luz.
Aún así, la fotografía no era aún bien recibida en los museos. Tan sólo en Nueva York, gracias al trabajo de la revista Camera Work, y en algunos lugares de Europa, como Alemania, la fotografía y su nuevo discurso eran aceptados.

Al parecer, una de las primeras exposiciones bajo la nueva estética del discurso fotográfico tuvo lugar en el Palacio de Minería de la ciudad de México, cuando Weston y Tina Modotti lograron exponer sus trabajos realizados durante su etapa mexicana.
Pese a esos esfuerzos, la fotografía no lograba consolidar su entrada al arte visual o plástico.

Los tiempos de convulsiones sociales y políticas fueron aprovechados por algunos artistas para elaborar interesantes fotomontajes donde expresaban sus preocupaciones ideológicas. De tal modo, la fotografía fue utilizada como herramienta de propaganda, tanto en la Alemania Facista como en el imperio comunista. Y pese a que hay algunos fotomontajes que por su carácter poético podrían considerarse obras de arte, el llamado fotomontaje, por su carácter propagandístico, no fue considerado como una obra estética.

Es así que la fotografía también fue utilizada por artistas que se inscribían en distintos ismos, como el llamdado Dadá, con interesantes fotomontajes; o bien el surrealismo, con Man Ray, y la Bauhaus con Lazlo Moholy Nagy.

Fotografías: Man Ray

En el primer capítulo de la obra La fotografía plástica, Dominique Baqué afirma que la fotografía entró al arte como una especie de huella mnemónica. Documenta, registra las acciones de los artistas dedicados al Land Arte, al performance, al Happening, a las acciones…”interviene a modo de incitación para que la gente vaya a ver las obras”.
De la fotografía-documento a la fotografía-modelo se ha dado una trayectoria muy singular de la que da cuenta, de modo ejemplar Christian Boltanski en 1976:” Las fotografías han estado durante mucho tiempo bajo el dominio de la pintura; hallamos influencias pictóricas en los tipos de iluminación, los temas, el desenfoque, etc., incluso en los términos que se utilizan: el retrato, el paisaje, pero creo que todo esto está cambiando debido en gran parte a la influencia de los pintores fotógrafos, que al carecer de complejos frente a la pintura, al ser ellos mismos pintores, han podido tratar la fotografía de modo diferente. Pero casi siempre los pintores fotógrafos han utilizado la fotografía ligada a un texto, muy ampliada o en secuencia para diferenciarse así de los fotógrafos, para mostrarse como artistas, sustituyendo a pincelada por el texto.

Sobre Insomnios, de Jorge Luis Borges

2009-03-30T07:43:00.000-07:00

"En vano espero los símbolos que preceden al sueño...". Fotografía: Arturo Ávila Cano. Año 2008.

"Soy el centinela aborrecible de esas colocaciones inmóviles". Fotografía: Arturo Ávila Cano. Año 2008.

En esta entrada les publico algunas de las imágenes que estuve trabajando en el taller de fotografía digital de la Academia de San Carlos. Durante el segundo semestre del año 2008 me propuse crear una propuesta visual para el poema Insomnio, de Jorge Luis Borges.

La técnica que utilicé consistió en la fusión de imágenes. Dicha técnica es dominada por mi querido amigo Juan Bautista Morán. Y así que cansado un poco de los dípticos, me lancé a trabajar bajo la técnica del bricolage digital.

Si bien no considero que estas fotografías estén terminadas, si las estimo como una parte importante del proceso que estoy llevando a cabo, de esta búsqueda de estilo en el ámbito farragoso de la Fotopoesía.

Arturo Ávila Cano

Propuestas radicales para aniversario

2009-02-28T13:43:00.001-08:00

Barbie Fashion en avenida Juárez.

Barbie en sus nupcias en Santo Domingo, Oaxaca.

Barbie Reina del narco. Una estrella más de la sociedad del espectáculo.

Barbies viviendo de la caridad del amor.

Estimados amigos, el museo Franz Mayer hará una exposición para conmemorar el 50 aniversario de este ícono de nuestra cultura. Es preciso estar atento tanto a la exposición como a una conferencia que se llevará a cabo este próximo 30 de marzo. Les invito a que asistamos todos para comparar este trabajo con el que se va a exponer en el Franz Mayer.

Barbie. 50 años de historia, moda y diseño
En marzo de 1959, en el contexto de la feria del juguete de la ciudad de Nueva York, se presentó por primera vez una muñeca que cambiaría la manera de jugar de las niñas y que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los iconos de la cultura popular del siglo XX. La muestra está integrada por más de 200 piezas y presenta la historia de Barbie, así como su paso por el mundo del diseño y la moda. Marzo 10 – Mayo 10

PROGRAMA EDUCATIVO BARBIE. 50 AÑOS DE HISTORIA, MODA Y DISEÑO

Conferencias

* Barbie. Del juego al icono pop

* Barbie y los grandes diseñadores de moda

Sábado 28 de marzo. 12:00 a 14:30 horas
Admisión: $30

Crítica a la fotopoesía

2008-12-22T07:09:00.001-08:00

Con ánimo crítico y reflexivo leí este editorial del afamado fotógrafo mexicano Pedro Meyer, que fue publicado en la revista electrónica zonezero, en el año 2004. Y pensando en el término fotopoesía, que hemos venido trabajando y estudiando con algunos colegas. Les publico el texto completo con ánimo de compartir nuestros puntos de vista.

"Una fotografía es una fotografía
es una fotografía"

Pedro Meyer, 2004

Uno puede observar cómo en años recientes un número creciente de quienes han utilizado fotografías en su obra empezaron a preferir no describirse a sí mismo como fotógrafos Ahora son “artistas”, como si los fotógrafos pertenecieran a una especie distinta.

Hasta cierto punto sí, por lo que se puede ver en el mercado. Parece que si uno se asume como artista, la misma obra puede obtener precios considerablemente más altos que si se proviene de un fotógrafo.

Así que no se si felicitar a estos colegas por ser tan prácticos o si cuestionar su oportunismo y su voluntad de bailar al son que les toque el capataz.

© Pedro Meyer, 2004

Pero, aparte de cuestiones que pudieran parecer de índole moral, al parecer hay algo que todos pasan por alto, hay que verlo más de cerca.

La fotografía no es lo que solía ser, mucha gente viene inventando nuevas palabras para describir las obras que han surgido en esta era digital, aparentemente necesitábamos acuñar nuevos términos para decir que algo ya no es fotografía.

Asi que no solo ha habido un éxodo de fotógrafos a la tierra de los “artistas”, sino que además ahora todo el mundo intenta encontrar nuevos términos para describir las imágenes producidas en esta era de las computadoras.

Es claro que se manifiesta por medio de esto una insatisfacción con algo muy específico, después de todo los nombres solo describen lo que acontece. Parece que cualquier aprobación y reconocimiento importante se le otorga principalmente al artista y no al fotógrafo, obviamente la remuneración es proporcional. Y si a algo se le puede pegar la etiqueta de NUEVO, es probable que tambien despertará mayor interés, esto es lo que nos dice el mercado.

Quizá esto nos ayude a entender el creciente distanciamiento de los términos “fotógrafo” y “fotografía”, que al parecer se asocian con ideas obsoletas y pasadas de moda.

No obstante opino que están equivocados y que debemos hacer todos los esfuerzos, especialmente en este momento de la breve historia de la fotografía, para aprovechar la oportunidad y en lugar de retraernos, expandir los horizontes de la fotografía, no abandonarla y perder de vista hacia donde podemos avanzar en nuestros propios términos.

Permítanme explicarme. Encuentro que la fotografía esta en el umbral de su mejor momento creativo y que los mejores tiempos están por venir. Sin embargo la naturaleza msima de lo que entendemos como fotografía en la era analógica debe de ser reconsiderada. Sí, la fotografía sigue siendo todo lo que fue pero también mucho más .

© Pedro Meyer, 2004

La palabra fotografía , como todos sabemos, quiere decir “escribir con luz”. Pues bien, nunca en mi vida tuve una experiencia más cercana a realmente escribir con luz que lo que he tenido en años reciente, cuanto al amparo de una lápiz electrónico he podido mover a voluntad todos esos píxeles que capturé con mi cámara digital o fueron escaneados de una película.

El sentarme frente a la pantalla de la computadora y manipular esos píxeles ha sido la experiencia más cercana que he tenido a la noción de lo que se suponía que la fotografía tenía que ser, por lo menos desde el punto de vista de quienes inventaron la palabra para describir al proceso llamado fotografía.

Hoy en día, puedo explorar y sumergirme en el fondo de un mar de píxeles y tocar cada píxel individualmente con un lápiz electrónico, algo sin paralelo comparado con lo que antes podía hacerse con respecto a los haluros de plata individuales incrustados en un mar de gelatina. Esta premisa básica transformó a la fotografía para siempre.

Bajo estas nuevas reglas, el límite de la fotografía solo sera nuestra imaginación. Así que la cuestión se reduce a lo siguiente: Podemos expandir nuestra interpretacion de lo que es la fotografía para ampliar nuestra comprension de este medio, fortalecerla y así hacer que la FOTOGRAFÍA sea más influyente, o dejaremos las cosas como están y limitarnos a observar como todo se erosiona lentamente mientras que todos llaman a la fotografía por otro nombre y sin que ya nadie quiera que se le identifique como fotógrafos.

O reinventamos las nociones que tenemos de la fotografía ampliando generosamente lo que se entiende como fotografía o probablemente terminaremos no teniendo ya mucho que defender al observar que las imágenes serán llamadas de tantas maneras menos fotografía.

Por mi parte, encuentro que mientras más altero mis imágenes, más fotográficas se vuelven, pero también estoy en la línea de ver a la fotografía de maneras nuevas. Estoy convencido de que tan pronto como veamos a la fotografía con una perspectiva más amplia, el “mercado” reconocerá que no hay tantos dilemas en el asunto de los fotógrafos y artistas como referentes.

SLos fotógrafos documentalistas más estrictos probablemente también descubrirán a su gran sorpresa, que hoy al igual que siempre, existe un espacio suficiente amplio para que este tipo de trabajo se siga cobijando bajo el mismo término de “fotografía” que usan los artistas. Así como los periodistas no tienen problema alguno en utilizar palabras para expresar sus ideas, aquellas que los poetas también utilizan, ¿Por qué habría de ser distinto con la fotografía? ¿Por qué la “fotografía” debe de ser considerada de manera distinta a la palabra? En cada una de estas instancias, todos entienden el contexto.

© Pedro Meyer, 2004

Pero, aun habiendo dicho esto, el poeta se le llama poeta y no periodista. Y es por eso que la lenta emigración de aquellos fotógrafos que se hayan convertido en artistas nos ayude a comprender que tales separaciones realmente sirven para definir estrategias de trabajo que realmente son distintas y que no deben ser confundidas o mezcladas. Lo que no quiere sugerir que dejemos de llamar a lo que producimos como fotografías, a pesar de tener destinos distintos y estrategias de producción diferenciadas. Por eso, una fotografía, es una fotografía, es una fotografía, parafraseando a Gertrude Stein.

Pedro Meyer
Coyoacán, Mexico
Octubre 2004

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Ponencia bienal

2008-12-21T21:38:00.000-08:00

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Bienvenidos

2008-12-21T21:34:00.000-08:00

Hola a todos

Esta nueva bitácora la he creado con el propósito de publicar, exclusivamente, toda la información relacionada a la fotografía artística, conceptual, creativa, o bien, toda aquella que tenga el mote de arte. Aqui mismo publicaré textos y reflexiones sobre el tema en el que me he ocupado en tiempos recientes: la fotopoesía.
Dicho tema forma parte de mi proyecto de tesis de maestría en Artes Visuales en la Universidad Nacional Autonóma de México.

En espera de sus comentarios y reflexines, los dejo.